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Computadores y revistas han despersonalizado el arte

El pasado miércoles 15 la Casa de Antioquia, ubicada en Bogotá, abrió sus puertas con la exposición del maestro Aníbal Gil, uno de los creadores más importantes de la historia de las artes visuales en ese departamento, destacado dibujante, grabador, pintor, muralista, escultor y vitralista.
“Aníbal Gil: 60 años de vida artística” es un recorrido desde la escultura en gran formato hasta los más detallados dibujos en los que el ser humano es el protagonista central y cuenta con la exposición de 15 temples, 15 grabados y 12 paneles de 15 dibujos cada uno.

El maestro se ha renovado ininterrumpidamente en la plástica, ha pasado por todas las técnicas y cada una de ellas las maneja de forma recalcable. Las elige según su estado anímico y en casi todas prevalecen el ser humano, las flores y las palomas.
En palabras de sus colegas y seguidores, la obra del Maestro Aníbal Gil “nunca deja de sorprender”.

INTERNACIONAL Y VOLÁTIL
Tras 60 años en el mundo del arte, ¿cómo ve su evolución en Colombia?
—El arte en Colombia en este momento es de una transición rápida, ha absorbido todos los movimientos que suceden a nivel mundial y ha empezando a echar raíces. Sin embargo, hay que tener en cuenta que son movimientos muy internacionales, cosa que antes no se veía tan a menudo debido a que en el pasado había un mayor aferramiento a la tierra. Hoy todo es más internacional y más volátil.

Usted que ha hecho muralismo, ¿qué opina de los grattifis que se ven hoy en las ciudades?
—Eso es interesante como una expresión personal. Creo yo que se debería progresar más bien como una organización para que esos murales tengan unos espacios adecuados para propiciarlos y que no sean tan fortuitos, aunque entiendo que ese es uno de los valores que tienen, que son hechos con mucha trepides. Pero verdaderamente se debe crear una oportunidad para que eso se conserve un poquito y que tenga mayor trascendencia.

¿En qué se diferencia el arte suyo como antioqueño con el arte del resto del país?
—El arte mío es un arte muy personal, muy ligado a la tierra, al lugar donde yo vivo, a una cierta forma tradicional, digámoslo así. Yo me fijo muy poco en revistas y en movimientos extranjeros y novedosos, me interesa más el ser humano, los problemas que sufre la gente común y corriente y por eso me he interesado durante la última etapa de mi trabajo en el dibujo, que es un elemento simple con el que puedo llegar más a la gente. Trabajo en las calles, en las plazas, en los parques y eso me interesa profundamente

¿Cómo ve las escuelas de arte en Colombia?
—Pues yo he estado desligado un poco del aspecto de la enseñanza, creo entender que se ha perdido mucho el oficio, digámoslo así, y hay una serie de técnicas muy especulativas. Lo que es la expresión personal mediante el diseño, el dibujo y la estructura de las artes plásticas, se ha perdido un poco.

Para usted, ¿quiénes son los artistas colombianos de mayor reconocimiento?
—Aquí ha habido artistas colombianos muy importantes, pues hablando desde las bases, Francisco Antonio Cano puso unos cimientos de arte en Colombia; Pedro Nel Gómez marcó hito importantísimo en el país con el muralismo y su manera de enfocar el tema de la figura humana. Desde luego el caso de Obregón y de Grau son importantes porque son el inicio de un arte moderno en Colombia. De manera especial el caso de Botero es excepcional.

¿Por qué en su arte tienen tanta relevancia las palomas, las flores y el ser humano?
—Yo siempre he querido rendir en medio de este país violento un poco de homenaje a la paz y la tranquilidad y me he servido mucho de la figura humana, especialmente de la femenina en asocio con las flores. Mujeres coronadas, mujeres con palomas, son elementos que conllevan a que el ser humano esté reflexivo, más pasivo, no tan dramático como se vive en Colombia.

¿Hasta qué punto se puede considerar algo como arte y desde qué punto considera usted que deja de serlo?
—Bueno, siempre he creído que una de las funciones del arte es dar expresión a la persona, que la persona pueda hablar de sí misma, por eso cuando ese lenguaje personal se va volviendo universal, empieza a ser arte, porque es una comunicación general, no se queda dentro de la persona sino que trasciende. En ese momento creo yo que es el arte, la plena manifestación de lo que el individuo siente con relación a su semejante

¿Qué considera usted que le hace falta a Colombia para lograr un mayor nivel artístico?
—Estimular a los artistas jóvenes es muy importante, propiciar sobre todo a la gente que tenga un temperamento y una vocación bien decidida para que puedan salir adelante. Hace unos años se carecía mucho del apoyo a la gente joven. Hoy en día creo que el gobierno colombiano, al igual que en otros países como en México, apoya mucho a sus artistas. En Colombia se están haciendo intentos al respecto que deben consolidarse

Si usted no hubiera sido artista, ¿qué otra profesión hubiera escogido?
—Si no hubiera sido artista tal vez hubiera sido un ser muy infeliz, porque yo desde que me siento persona, desde que tengo conciencia de mí mismo, siento que el arte es parte de mi vida porque me he realizado mediante el arte. El solo hecho de pensar en otra profesión, me causa desazón.

¿Cómo puede contribuir el arte a Colombia?
—Enormemente porque el arte enseña a las personas a conocerse a sí mismas, a conocer sus problemas, sus logros. Entonces, si hay unas verdaderas manifestaciones artísticas, el ser humano se conoce mejor, trasciende mucho más, es una función para las generaciones futuras y una de las funciones del arte al comunicar y hacer permanente en el tiempo lo que las personas hacen y piensan.

¿Le hace falta arte a Colombia?
—A todos los países les hace falta arte, aquí claro y todavía estamos muy incipientes en ese sentido, tenemos que irlo formando para poder trascender un poco históricamente, y conocernos mejor. Sí, hace falta.

¿Qué les recomienda a los jóvenes que están comenzando en el mundo del arte?
—Yo fui profesor hace mucho años y siempre he recomendado que empiecen dibujando al ser humano, que lo conozcan en todos sus movimientos y figuras, porque conociéndolo pueden trabajar con él, expresarse con él, porque esa es la base de la expresión artística, el mismo ser humano, y conociéndolo se conocen todos los elementos expresivos de las manifestaciones artísticas, entonces yo les aconsejaría que vayan más al ser humano, sino que hoy en día con los computadores y las revistas se ha despersonalizado mucho el arte.

Los artistas terminan encasillados en algún punto de vista político, bien sea porque la gente se los da o porque ellos mismos deciden tomarlo, ¿cuál es el suyo?
—Pues yo no diría que tengo un punto de vista político, es simplemente un acercamiento al hombre con todos sus problemas, precisamente hablábamos que toda esta serie de dibujos son un acercamiento al ser humano común y corriente con sus vicisitudes, sus trabajos, sus problemas. Son expresiones que se encuentran en la calle, entonces no es una cosa política sino más humana. No me considero un crítico de la sociedad sino una persona que habla de los aspectos sociales que ve.

Dicen que para hablar internacional hay que hablar primero local, ¿qué tan cierto es eso?
—Es muy cierto. Si uno no es primero como persona, es auténtico y consecuente con su medio, con su raza, con su gente, difícilmente podrá llegar a ser universal. Entonces empieza como a meter mentiras y se diluye en un panorama internacional. Hay unos elementos que unen a todos los pueblos que son el lenguaje y el habla, pero eso, dicho con sinceridad, que es la base del ser humano y el individuo, lo hace más universal. Hay que ser auténtico para ser artista.

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